Segundo parcial

                Anahi Morán Estrada 

                     Arely Soto Domínguez 

                                          Diseño Gráfico 5to 3

SEÑALETICA

Anahi Morán Estrada 

Arely Soto Domínguez

                                                    5to 3         

Señal de bandera

Sintáctica: un autobus (parte frontal).

Semántica: ahí hay un autobus.

Pragmática: que ahí hay un autobus o estará ahi el autobus.

Color: vino (institucional).

Informativa.

Señal adosada

Sintáctica: fl echa de dirección.

Semántica: dirección.

Pragmática: conocer en que tiene dos sentidos la calle, y su nombre.

Color: vino (institucional).

Orientadora.

Señal colgante

Sintáctica: informa lugar, tipografía.

Semántica: indica el nombre de lugar y que hay ahí.

Pragmática: ahí hay una tienda de pastes color negra de ubicación.

 Estela de identidad

Sintáctica: informa del lugar (banco).

Semántica: se sabe el nombre de a identidad corporativa.

Pragmática: ahí hay un banco.

Color: institucional (banco).

Ubicación.

Señal de bandera

Sintáctica: mapa de ubicación del municipio.

Semántica: ahí se encuentran distintos lugares.

Pragmática: ahí se puede encontrar el lugar que se busca.

Color: vino (institucional)

Informativa.

Señal de tijeras

Sintáctica: tipografía, menú del lugar.

Semántica se conoce el menú que se ofrece.

Pragmática se conoce lo que hay de comer ahí.

Color naranja/café/ verde.

Grabados

Niveles de Mensaje Asociados al Color Representacional, Simbolico y Abstracto

Los niveles de todos los estímulos visuales contribuyen al proceso de concepción y reconcepción, realización y refinamiento de todos los trabajos visuales. Para ser visualmente alfabeto, es extremadamente necesario que el creador de la obra visual tenga presente cada uno de estos niveles individuales; pero es importante también que el espectador o sujeto tenga igual conciencia de ellos.
Cada nivel, el representacional, el abstracto y el simbólico, tiene características propias que pueden aislarse y definirse, pero esas características no son conflictivas en absoluto. En realidad, se superponen, actúan unas sobre otras y refuerzan mutuamente sus cualidades especificas.
La información visual representacional es el nivel más eficaz para la información directa e intensa de los detalles visuales del entorno, sean naturales o artificiales. Hasta la invención de la cámara, sólo los miembros de más talento y mejor adiestrados de una comunidad podían producir dibujos, pinturas y esculturas que representaran fielmente la información visual tal como ésta aparece ante la vista.

Esta habilidad ha sido siempre admirada y el artista que la poseía era considerado de una manera muy especial. Hay una especie de magia en la obra visual detallada y realista, aunque pueda considerársela superficial. El comentario tan común ante el retrato (es idéntico a mi) implica un reconocimiento muy especial del artista. Pero todo esto ha cambiado con la cámara.


El problema del parecido, desde que éste puede conseguirse con una instantánea o con un retrato en un estudio meticulosamente iluminado, ni siquiera se considera ya a la hora de evaluar una obra. La cámara produce un informe visual de cualquier cosa que se sitúe frente a ella con una asombrosa exactitud de detalles. Informa de lo que ve casi en demasía. Pero el comunicador visual tiene muchos procedimientos para controlar los resultados técnica y estilísticamente.
Con todo, la representacionalidad, el informe realista de lo que ye, es algo natural en la cámara y tal vez constituye uno de los factores fundamentales en el creciente interés por el segundo nivel de la información visual, el nivel abstracto.
Como ya hemos visto, la abstracción ha sido el instrumento primario en el desarrollo de un plan visual. Es muy útil para la exploración no comprometida de un problema y para el desarrollo de opciones y soluciones visibles.
La naturaleza de la abstracción libera al visualizador de las demandas que suponen representar la solución final acabada, y permite así que salgan a la superficie las fuerzas estructurales subyacentes de la composición, que aparezcan los elementos visuales puros y que se pueda experimentar directamente con las técnicas a aplicar.
Es un proceso dinámico, plagado de comienzos y falsos comienzos, pero libre y cómodo por naturaleza. No es de extrañar que muchos artistas se interesen por la pureza de este nivel. Como ya vimos, el artista y el visualizador a veces se sienten liberados abordando con mayor libertad la expresión visual, y ello ha sido posible gracias a la honestidad mecaniconatural de la cámara para reproducir una formulación visual acabada y definitiva.


¿Por qué competir con ella? Siempre ha habido y habrá artistas con el adiestramiento, la habilidad y el interés suficientes para continuar la tradición del realismo, desde Salvador Dalí y sus obras surrealistas interpretadas de una manera hiperrealista y subjetiva al mismo tiempo hasta las pinturas sutilmente representacionales de Andrew Wyeth. Sin duda, siempre los habrá.

Salvador Dalí

Andrew Wyeth

 El interés de probar libremente soluciones visuales es, sin embargo, un inevitable deber para cualquier artista o diseñador que parta de la hoja en blanco y quiera avanzar hacia la composición y terminación de un plan visual. Esto no es cierto en el caso del fotógrafo, el cineasta o el cámara de televisión.
En todos los casos, el trabajo visual básico está dominado por la información realista de detalle y, en consecuencia, inhibe al pensador fílmico de la investigación de un preplan visual. En el cine y la televisión hay un componente de lenguaje que es inherente al proceso de la realización pero, es triste decirlo, las palabras suelen usarse más en la previsualización del film que los elementos visuales. Una conciencia más profunda del carácter del nivel abstracto de los mensajes visuales por parte de todos aquellos que usan cámaras, puede abrir nuevos caminos a la expresión visual de ideas.
El último nivel de información visual, el simbólico, ha sido ya comentado con bastante extensión. El símbolo tanto puede ser una imagen simplificada como un sistema muy complejo de significados atribuidos, a la manera del lenguaje o los números. En todas sus formulaciones puede reforzar el mensaje y el significado en la comunicación visual de muchas maneras.
En la imprenta, es un componente importante del carácter total de un libro, una revista o un cartel, y participa también en la formación de un diseño con datos visuales abstractos, aunque se transmita información con su forma e integridad propias. Para el diseñador es una fuerza interactiva que ha de tratarse en términos de significado y apariencia visual.
El proceso de creación de un mensaje visual consta de una serie de pasos que van desde los primeros bocetos de prueba hasta la elección y decisión finales, pasando por versiones intermedias cada vez más refinadas. Y aquí es preciso aclarar algo: la palabra final es aplicable en el punto en que así lo decida el visualizador.
La clave de la percepción esta en que todo el proceso creativo parece invertirse ante el receptor de los mensajes visuales. Este ve primero los hechos visuales, ya se trate de información extraída del entorno o de símbolos susceptibles de definición. En el segundo nivel de percepción, el sujeto ye el contenido compositivo, los elementos básicos, las técnicas. Es un proceso inconsciente, pero indispensable para que se produzca la experiencia acumulativa del input informativo.
Si las intenciones compositivas originales del autor del mensaje visual son acertadas, es decir, han dado lugar a una solución sensata, el resultado será coherente y claro, será un todo que funciona. Si las soluciones son extraordinariamente acertadas, se puede calificar de elegante la relación entre forma y contenido.
Con malas decisiones estratégicas, el efecto visual último es ambiguo. Los juicios estéticos que usan palabras como "belleza" no tienen por qué verse envueltos en este nivel de interpretación, sino que corresponden a un punto de vista más subjetivo. La interacción entre propósito y composición, entre estructura sintáctica y sustancia visual, debe ser mutuamente fortalecedora para resultar visualmente efectiva.
En conjunto, estos factores constituyen la fuerza más importante de toda la comunicación visual, la anatomía del mensaje visual.

Museo Frida Kahlo

EI Museo Frida Kahlo está localizado en Coyoacán Londres 247 Col. del Carmen, presenta una nueva exposición llamada “Frida Kahlo, sus fotos”, en ella se muestran más de 200 imágenes de las 6 mil 500 que conforman el inventario de la Casa Azul. Se trata de un conjunto significativo de las fotografías que le sirvieron a la pintora mexicana como recuerdo, como herramienta de trabajo, como medio para desaparecer la soledad. Esta exhibición, cuya curaduría diseñó el fotógrafo e historiador de la fotografía en México Pablo Ortiz Monasterio, ilustra la relevancia que tuvo este medio en la vida de Frida, incluso desde su infancia ya que su padre y su abuelo fueron fotógrafos, gracias a esto en la casa de Frida siempre hubo cámara y retratos.

El Museo Frida Kahlo ha ampliado sus instalaciones. Junto con la muestra se inaugurará también el hermoso predio porfiriano contiguo a la Casa Azul que el museo ha incorporado para exhibir, en cinco nuevas salas, las muestras temporales y la riqueza de este museo.

Con la exposición, hoy ve la luz otra parte del archivo que se diera a conocer, en el 2007. Ese año se anunció la revelación más importante que se haya hecho en el Museo Frida Kahlo desde la muerte de la pintora en 1954. El Comité Técnico del Fideicomiso de los Museos Diego Rivera y Frida Kahlo presentó entonces un amplísimo acervo nunca antes visto que fue clasificado con la generosa ayuda de ADABI (Apoyo al Desarrollo de Archivos y Bibliotecas de México, A.C.) y que ahora ha sido posible ordenar.


En el museo se encuentran trabajos no solo de Frida, sino también de otros artistas anónimos y reconocidos, así como de Diego Rivera que fue de sus preciados tesoros.

¿Quién fue Frida Kahlo?

Frida Kahlo fue una artista mexicana, desde niña fue fotografiada incluso escribió sobre la fotografía: “Sabía que el campo de batalla del sufrimiento se reflejaba en mis ojos. Desde entonces, empecé a mirar directamente al lente, sin parpadear, sin sonreír, decidida a mostrar que sería una buena luchadora hasta el final”.
Tuvo una relación especial con el medio fotográfico. Su padre Guillermo Kahlo y su abuelo materno fueron profesionales de la cámara. 

¿Qué relación existe entre ella y Diego Rivera?

Para Frida, Diego fue un artista admirable y le tuvo un inmenso cariño, incluso la "amistad" tan grande que se tenían se convirtió en matrimonio. Compartieron intereses, aventuras y amoríos turbulentos en donde Diego Rivera resulto ser amante tan perfecto para Frida como lo era para Dolores Olmedo.

Crearon su propio mundo con todo aquello que amaban: la vivienda con sus jardines y plantas que ellos sembraron y cultivaron, el estudio donde Frida trabajaba, la cocina con sus jarros y cazuelas, sus libros, dibujos, fotografías, recuerdos personales, muebles populares, pinturas ingenuas del siglo xix, retratos de niños y mujeres, cartas (especialmente las de Frida) dirigidas a amigos, doctores y personalidades del mundo del arte y de la ciencia, y para que nada les faltara en su territorio, una pirámide en medio del jardín.

 ¿Cuáles son sus obras principales?

Algunas de ellas son:

°La niña Virginia, 1929
°Retrato de Luther Burbank, 1932
°Autorretrato con changuito, 1945
°La máscara (de la locura), 1945
°La columna rota, 1944
°Mi nana y yo, 1937 

Frida Khalo utilizaba colores muy vivos dentro de sus obras y/o tonos marrones, su arte era algo abstracta y en ocasiones mal hecha por intención o simplemente porque así persivia su entorno. 

La combinación de sus colores era a veces algo escandaloza pero no por ello quería decir que resultaba impactante hacia la la felicidad ya que todas sus obras carecían de positivismo, proyectando seriedad, rigidez, liderazgo, angustia, sufrimiento etc.

_______________________________________________________________

¿Qué son los colores armónicos?

Son aquellos que son funcionales juntos, es decir, que producen un esquema de color sensible al mismo sentido, esto es, la armonía nace de la percepción de los sentidos, y a la vez esta armonía retroalimenta al sentido haciéndolo lograr el máximo equilibrio que es hacer sentir al sentido.

 

-Define circulo cromático y da ejemplos.

El círculo cromático es una valiosa herramienta para determinar armonías de color. Los colores complementarios son aquellos que se contraponen en dicho círculo y que producen un fuerte contraste. Así, por ejemplo, en el modelo RYB, el verde es complementario del rojo, y en el modelo CMY, el verde es el complementario del magenta.

El círculo cromático suele representarse como una rueda dividida en doce partes. Los colores primarios se colocan de modo que uno de ellos esté en la porción superior central y los otros dos en la cuarta porción a partir de esta, de modo que si unimos los tres con unas líneas imaginarias formarían un triángulo equilátero con la base horizontal. Entre dos colores primarios se colocan tres tonos secundarios de modo que en la porción central entre ellos correspondería a una mezcla de cantidades iguales de ambos primarios y el color más cercano a cada primario sería la mezcla del secundario central más el primario adyacente.

¿Cómo es el modelo de color Rojo, Amarillo y Azul?

A este modelo es el RYB compuesto por el rojo, el amarillo y el azul, son los colores primarios, y en teoría, el resto de colores puros (color materia) puede ser creados mezclando pintura roja, amarilla y azul.

El modelo RYB es utilizado en general en conceptos de arte y pintura tradicionales, y en raras ocasiones usado en exteriores en la mezcla de pigmentos de pintura. Aún siendo usado como guía para la mezcla de pigmentos, el modelo RYB no representa con precisión los colores que deberían resultar de mezclar los 3 colores RYB primarios. A pesar de la imprecisión de este modelo -su corrección es el modelo CMYK, se sigue utilizando en las artes visuales, el diseño gráfico y otras disciplinas afines, por tradición del modelo original de Goethe de 1810.

¿Cómo es el modelo CMYK?

En este modelo, los colores usados son cian, magenta y amarillo; este sistema es denominado Modelo CMY. En el modelo CMY, el negro es creado por mezcla de todos los colores, y el blanco es la ausencia de cualquier color (asumiendo que el papel sea blanco). Como la mezcla de los colores es sustractiva, también es llamado modelo de color sustractivo. Una mezcla de cian, magenta y amarillo en realidad resulta en un color negro turbio por lo que normalmente se utiliza tinta negra de verdad. Cuando el negro es añadido, este modelo de color es denominado modelo CMYK. Este modelo se considera la corrección teórica del modelo de color RYB, y permite obtener más colores que el anterior por estar basado en colores primarios más exactos, a diferencia de su antecesor. En la teoría artística la adopción de este modelo ha sido más bien lenta, debido a que en muchas escuelas se sigue debido a la tradición fuertemente arraigada utilizando el modelo RYB, a pesar de que este es impreciso y anticuado.

¿Cómo es el modelo RGB?

La mezcla de colores luz, normalmente rojo, verde y azul (RGB, iniciales en inglés de los colores primarios), se realiza utilizando el sistema de color aditivo, también referido como el modelo RGB o el espacio de color RGB. Todos los colores posibles que pueden ser creados por la mezcla de estas tres luces de color son aludidos como el espectro de color de estas luces en concreto. Cuando ningún color luz está presente, uno percibe el negro. Los colores luz tienen aplicación en los monitores de un ordenador, televisores, proyectores de vídeo y todos aquellos sistemas que utilizan combinaciones de materiales que fosforecen en el rojo, verde y azul. 



Recorrido Virtual

El Museo de Dolores Olmedo está localizado en Xochimilco, al sur de la ciudad de México. En otros momentos su construcción fue conocida como  la haciendo de la Noria, cuya edificación data a finales del siglo XVI.

El recinto alberga las colecciones más importantes a nivel mundial de la producción de Diego Rivera y Frida Kahlo, además de destacados grabados de la artista Angelina Beloff.

Así mismo, se exponen más de 900 piezas arqueológicas de diversas culturas mexicanas y una asombrosa colección de arte popular de diversos Estados de la Republica, se exhiben también objetos que formaban parte de la casa cuando la señora Olmedo la habitaba (marfiles, porcelanas y pinturas). Con la finalidad que el público conozca aspectos de la vida y obra de Doña Lola, se representan fotografías, dibujos, retratos, caricaturas y documentos que permiten apreciar su trayectoria.

El Museo realiza continuamente exposiciones temporales de importantes artistas nacionales e internacionales,  además ofrece espectáculos de fin de semana, talleres de artes plásticas para grupos de distintas edades, visitas guiadas, así como platicas y conferencias. Cuenta con una agradable cafetería y tienda-librería.

 

·         ¿Quién es Dolores Olmedo?

Fue una promotora de la cultura en toda la extensión de la palabra, a lo largo de su vida se dedico a coleccionar obras de arte, en determinado momento llegó a tener 800 piezas arqueológicas mesoamericanas gracias a su buen ojo como coleccionista, esto la llevo por acrecentar el patrimonio cultural del pueblo dejando un gran beneficio al pueblo mexicano.

En 1962 adquirió el casco de la Hacienda la Noria, la que transformo en su casa y más tarde la dejo como legado al pueblo mexicano como el Museo de Dolores Olmedo.

  

 
·         ¿Qué relación existe entre Dolores Olmedo y Diego rivera?

Cuando se conocieron en la Secretaría de Educación Pública en 1928 iniciaron una amistad y un pacto de confianza que perduro hasta la muerte del pintor; cuando murió, Rivera le dejo a Dolores los museos Frida Kahlo y Diego Rivera-Anahuacalli, también Rivera realizó 26 o 27 desnudos de Dolores según ella recordaba.

·         ¿Qué relación existe entre Dolores Olmedo y Frida Khalo?

Dolores Olmedo tenia una sensibilidad y talento de le ayudaron a comprender tanto las obras de diego rivera como las de Frida Khalo y cuando Diego Rivera murió el Museo de Frida Khalo paso a las manos de Dolores.

Colección de Angelina Beloff

El núcleo de la Colección de Beloff en el Museo Dolores Olmedo fue fundado en 1994 (dos días antes de que abriera el museo).  Con la excepción del paisaje en óleo, Tepoztlán, las obras en exhibición en el Museo mayormente representan el período tempranero de Beloff (acuarelas, dibujos, grabados originales en lámina, y grabados en madera que fueron creados en Francia durante 1910 hasta los años veinte).

La colección se basa en una obra gráfica de Beloff, la cual permite al espectador una apreciación real, una mira a su destreza como dibujante.  Casi treinta de los grabados originales en madera comisionados por la casa editorial Arthem Fayard, para ilustrar la novela Ariane, jeune fille russe (Ariane, joven rusa) por Claude Anet, están presentados como punto central de la colección.  Al mismo tiempo se encuentra un gran número de acuarelas y grabados en lámina creados para la historia de Jack London, Build a Fire (Arma una fogata), a más de las ilustraciones para los cuentos “El soldado de hojalata y Los cisnes salvajes de Hans Christian Andersen”.  Fue una dibujante nata, quien se perfeccionó a lo largo de la práctica y de los años, Beloff en su obra gráfica arribó a un estilo que se puede considerar tan conciso como lo es refinado.

Nivel del mensaje visual representado en el museo

Las obras de arte que están en el Museo de Dolores Olmedo describen la manera que veían cada una de las culturas y como personajes importantes dieron vida a estas obras.

A pesar de la abstracción en algunas piezas arqueológicas la abundancia en detalles o la fina textura de éstas las hace ser sorprendentes e incluso misteriosas ya que se intenta descifrar la de la manera en que sus autores percibía su alrededor, independientemente de la exactitud con las que fueron hechas.

Las pinturas de Frida Khalo tenían realismo pero en algunas de sus obras, al igual que Angelina Beloff  perdía la proporción de los cuerpos aunque también pudiera ser que fuera por simple gusto de las autoras.

Diego rivera fue un gran pintor que jugaba con los niveles de abstracción y lo realista, era como si se divirtiera con el simple hecho de pintar, sin importar lo que fuese.

Hay una gran variedad de estilos en el Museo de Dolores Olmedo, es un jugueteo de técnicas y colores que describen a los autores.